Philippe Gourdon (París, 1955) rehúye etiquetas: no se considera artista ni diseñador, sino un explorador de la luz. Su fascinación nació en la infancia, cuando un tren eléctrico iluminaba la oscuridad de su habitación y transformaba sus rincones en escenarios cambiantes. Aquel destello inaugural germinó en una carrera atravesada por la innovación, la sensibilidad y la búsqueda constante de nuevas formas de expresión. Inspirado por referentes como Nicolas Schöffer y Julio Le Parc, encontró en el arte cinético un lenguaje que fusiona tecnología, percepción y emoción. Hoy, esa búsqueda se presenta por primera vez en Venezuela con la exposición Luminocinesis: Una retrospectiva al diseño y la luz.
En un mundo donde la luz encarna modernidad, emoción y tecnología, Gourdon ha conseguido convertirla en un lenguaje propio: atmósfera, ritmo, experiencia. Ahora, su llegada a Caracas representa además un nuevo diálogo del cinetismo entre Francia y Venezuela: una suerte de boomerang en reversa, que continúa la ruta que en su momento trazaron Jesús Soto y Carlos Cruz-Diez —y más recientemente Elías Crespín con su electrocinetismo— al construir en París carreras de proyección global. La muestra abrirá el próximo 2 de octubre en la Sala 5 del Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez, bajo la curaduría de Jannieris Alvarado y con la organización de la galería parisina Art Construit, antes de trasladarse en febrero de 2026 al Centro de Arte de Maracaibo Lía Bermúdez.
Los primeros pasos de Gourdon estuvieron ligados al diseño de productos de iluminación, un trabajo que lo acercó a las primeras bombillas halógenas y le valió varios reconocimientos, entre ellos una nominación al Compasso d’Oro de Milán en 1990. Poco después, participó en la exposición Mutant Materials del Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1995, y una década más tarde dio un giro hacia la industria automotriz, donde se convirtió en pionero al integrar digitalmente luces LED en un prototipo de Citroën en 2002. Desde entonces colaboró con marcas como BMW, Peugeot, Hyundai, Renault y Toyota, convencido de que “la luz en un coche no es un elemento técnico, es una identidad”, dice. Para Gourdon, los faros, las luces traseras o los contornos iluminados no son simples accesorios: “pueden transmitir velocidad, fuerza, elegancia… la luz es el alma del objeto”, explica.
Gourdon conversa con Ecosistema:
¿Philippe, cómo nace tu relación con la luz?
Desde niño, recuerdo con claridad cómo un tren eléctrico iluminaba mi habitación a oscuras, aquella escena, tan simple, transformaba los rincones en escenarios vivos y cambiantes. Esa experiencia infantil sembró una semilla que germinó en una carrera marcada por la innovación, la sensibilidad y la búsqueda constante de nuevas formas de expresión. No me defino como artista ni como diseñador, me considero un explorador de la luz.
¿Qué significa para ti esa exploración?
Es una búsqueda permanente, la luz no se puede capturar, solo se puede rozar, multiplicando las experiencias, uno se acerca a comprenderla; cada proyecto es una oportunidad para descubrir algo nuevo, para dialogar con la luz desde otro ángulo, otro ritmo, otra emoción.
¿Cómo se dio el paso del diseño industrial al arte cinético?
Fue un proceso natural, gracias a mi experiencia acumulada, comencé a crear mis primeras pinturas de luz, buscando transformar visiones cotidianas en sensaciones vibratorias. Mi objetivo es modificar emocionalmente nuestra percepción del movimiento mediante la observación de la luz mixta, en ese punto, la tecnología se pone al servicio de la emoción. Para mí la luz es vida. Por ejemplo, el movimiento de la Tierra alrededor del Sol marca el ritmo de la existencia, el Sol alimenta las plantas, regula nuestros ciclos. Tenemos unos 5000 millones de años de sol por delante… después, quién sabe. En mis obras, el movimiento controlado de la luz genera una meditación contemplativa que tranquiliza la mirada. Es una forma de conectar con algo esencial.
¿Cómo te ha influenciado particularmente la obra de Carlos Cruz-Diez y Jesús Soto?
Son dos maestros incomparables, y conozco bien la obra de estos grandes maestros del cinetismo y los respeto profundamente. Además de su obra, también conozco parte de la vida de Carlos Cruz-Diez. En mi obra no intento imitarlos, sino seguir la estela del arte cinético con un enfoque distinto, en el que el movimiento se realiza únicamente con la luz. Mi trabajo busca una poética propia, una vibración distinta.
De la misma manera, el descubrimiento de las obras de Nicolas Schöffer y Julio Le Parc fue revelador para mí, ambos me mostraron el potencial del arte luminocinético. También me inspiran técnicas de Takis y más recientemente Pe Lang, todos ellos han explorado el movimiento y la percepción de formas que dialogan con la luz.
¿Por qué consideras que tu obra es relevante en el diálogo entre arte, diseño y tecnología en el siglo XXI?
Porque propone una síntesis. Luminocinesis recorre las distintas etapas de mi carrera, revelando cómo mi pensamiento visual ha evolucionado desde lo técnico hasta lo poético. Dividida en tres módulos —Diseño Lumínico, Motor y Forma, y Arte y Luz—, la exposición permite comprender cómo la luz se convierte en lenguaje artístico.
¿Puedes hablarnos de los tres módulos?
Claro, en Diseño Lumínico presento mi transición del diseño industrial al arte lumínico. La luz deja de ser una fuente de iluminación para convertirse en atmósfera, emoción y narrativa visual. Las lámparas que diseñé no solo cumplen una función: respiran, dialogan con el espacio, se convierten en esculturas útiles, utilizando tecnologías digitales, creo formas minimalistas que se integran con la ergonomía y el entorno. Es el momento en que la función se encuentra con la expresión.
El segundo módulo, Motor y Forma, explorA mi trabajo en la industria automotriz, que se extendió por más de dos décadas. Diseñé sistemas lumínicos para marcas como Renault, Toyota, BMW, Mercedes-Benz y Volkswagen. Sin darme cuenta, me convertí en pionero en la integración de luces LED en el automóvil, esta etapa fue clave para el desarrollo de mi pensamiento visual. La precisión técnica, la atención al detalle, la obsesión por la forma… todo eso me acompaña también en mi trabajo artístico.
En el tercer módulo, Arte y Luz, presento al Gourdon más libre, más experimental. La tecnología se pone al servicio de la emoción, aquí mis obras ya no son objetos útiles: son experiencias inmersivas. Utilizo algoritmos digitales y sistemas de programación para construir composiciones visuales en constante evolución. Las líneas de LEDs se transforman en partículas geométricas que danzan en bucles infinitos, creando paisajes lumínicos que evocan desde los neones de Times Square hasta los ritmos caóticos de Shibuya.
En mi última exposición Luminocinesis busco crear una experiencia contemplativa en un mundo saturado de estímulos visuales, donde mi propuesta es una pausa luminosa, una coreografía de fotones que nos recuerda que ver también es sentir. En diálogo con artistas como Cruz-Diez, James Turrell u Olafur Eliasson, invito al visitante a sumergirse en un universo donde la luz es una fuerza viva, eterna, transformadora.
